设计师在寻找灵感的出发点时，越是寻找与自己有强烈链接的触发点，越是能够发展出更好的设计。这需要设计师去寻找真实的、自己有强烈感触的事物。一草一木，一件艺术品，一个人，一段故事，一座城，一个时代，都可以是设计师灵感的来源。例如Valentino Haute Couture 2016-17秋冬高定系列，是由Maria Grazia Chiuri与Pierpaolo Piccioli以“世界剧场”(theatrum mundi)的意念构思出来的。在莎士比亚逝世400周年纪念之际，他们从这位文坛巨匠的文学创作中汲取灵感，希望用现代的浪漫诠释莎士比亚时代的严谨着装。

　　2015年美国大都会博物馆的中国:镜花水月展览展出了140多件高级定制以及前卫成衣。其中的许多设计都可以看出中国的瓷器、家具、电影、音乐、人物等元素对服装设计的影响。

　　有了灵感的触发，下一步设计师就需要充分的去拓展这个想法和理念。拓展时没有特定的方法，只要是有理由的，能说服别人的方法都是成立的。比较常用的方法有查询跟灵感相关的资料、实地考察、采访调研甚至亲身体验等。英剧《唐顿庄园》的服装设计团队为了设计出约克郡伯爵庄园里贵族生活的样景，查阅史料图片，到跳蚤市场淘旧衣服，找到为英国女王提供面料的Joel & Sons来作为剧中造型用的丝绸，以及在唐顿庄园中漫步来体验不同场合下服装的不同表现。这些不可忽视的努力为设计团队赢得64届黄金时段艾美奖的最佳电视剧服装的殊荣。

　　对于设计师来说，确定的概念需要是一个非常明确而清晰剪短的核心。这一步最忌讳模棱两可或者过于庞大复杂的概念。确定的概念可以比较深晦，或者非常个人，但是一定不能太复杂太笼统。核心概念可以和一开始的灵感触发点不那么紧密相关，因为经过步骤二之后一开始的灵感触发会产生变化或是新的发展方向。但是在确定概念这一步，就需要设计师明确展示出概念的发展路径，且清晰合理。比如“英国“ 可以是一个概念，可是这个概念范围太大，太笼统。而”莎士比亚时代的严谨与浪漫“就是一个相对明确而清晰的概念。

　　一个好的概念除了言简意赅，还有一个需要注意的就是创新度。概念的新与旧并不只是绝对意义上的概念本身的新旧，而是融合了设计师自己的切入点和观察角度。比如设计师的概念本身可以是“解构”。即使解构已经被设计师做了好几十年了，但是设计师如果能以解构为概念作出属于自己的不同的概念，也是创新。而这里要考验的就是设计师的视角和解读了。需要设计师多看，多想，找到一个属于自己的切入点。

　　结合步骤三所得到的核心概念，这一步就是要从颜色，材料，廓形，风格，内涵，造型等等各方面将概念转化为服装设计元素。通常来说，这是学习服装设计的学生最容易犯糊涂、走入歧途，和最容易被别人影响的阶段。设计师需要做的就是让设计的选择和发展与核心概念紧密相连。

　　在前期这么多的工作量之中，设计师需要不断的重新审视和再度发展整合创新，将不管是概念还是设计元素都深化到一定的程度。这个阶段设计师需要做的就是从这些繁杂的信息之中有重点地挑选出自己觉得最好的几个设计元素或标志。

　　而在最终设计的过程中，也一定要坚持只以自己挑选出来的元素作为核心。庞杂的元素并不能带给设计更多的加分， 有时候纯粹统一的系列反倒是是最吸引眼球，最有冲击力的设计。

　　设计师完成了设计稿后，接下来就是制作了。这是一个不断循环的过程。制作，在模特上做fitting，同时修改，并根据得到的结果再设计。如此往复精益求精，最终才能得到极尽完美且充分的设计成品。

　　循环往复的原因是因为，一切初期的设计概念在实际成品出来之前都是和想象有误差的。材料的限制，工艺的限制或是人体结构和运动的限制，都会给承载于二维平面的设计稿不小的挑战。而根据现实条件不断地制作，fitting，修改和再设计是非常有必要，且非常考验服装设计师个人素质能力的环节。在这个环节，设计师的随机应变能力和统筹组织能力都非常重要，而与人交流合作的能力更是重要。

　　看到这里，设计师经过无数轮的修改，最终的成品终于完成，接下来要做的就是拍摄了！这个环节是将设计作品记录成为影像资料。服装拍摄时需要注意几个方面：摄影团队、模特的选择，摄影摄像的风格，人物造型，场景布置等都要紧密地反映这个设计系列的主题和概念。这里重要的一点是——贵的不一定是好的，流行的不一定是适合的。不能跟设计系列相得益彰的拍摄会让最终效果大打折扣。因为你最需要表达的是服装本身，所以一定是统一协调的摄影作品，才能最大限度的让设计系列绽放。