有三样东西会决定这本作品集的内容水准、整体基调、呈现方式，甚至会影响创作进度和创作过程
这三样东西即服装设计作品集的灵感、框架思路和实验，它们并不是肉眼可见的图片素材、面料、辅料材料，而是一种软性的思维指导和创作方向，是我们需要在创作之前厘清的思路。
灵感：灵感的乍现因人而异，就像一千个读者中会有一千个哈姆雷特，每个人都会被不同的瞬间所感染，或是美术馆角落里一幅孤独的油画、或是书店里偶然读到的一本书、或是电影里令你惊艳的一句台词、甚至是从小或崇拜或喜爱的一位动漫人物。
很多受到传统教育的同学，会把一些通常意义上学校认为“登不上”台面的内容或者过于小而杂乱的时间和瞬间，摒弃在创作灵感之外。
然而正是这些生活中真正打动你的瞬间、独属于你的个人体验和记忆，才能为你的创作提供真切的情感和创作激情。
大家都知道，要在几百甚至上千份作品集中脱颖而出，取材需要耳目一新，不同于他人。这时候，汲取于自己的真实所感，就能很大程度完成独特的立意。
即使你的灵感不是那么小众特别，但是它是契合你的个人特质的、从属你的文化背景的，在整个作品集的创作中你也会更加易于开发和把控。
这里举两个同学的例子：一位服装设计三年级同学的作品，以金·卡戴珊为灵感主题。身为金·卡戴珊的狂热粉丝，虽然project在创作初期灵感敲定的时候就遭受老师的否定，觉得不够深度。
但他还是力排众议，完成了一个drama、glamour风格的系列男装，正是这系列服装设计作品，打通了他去往Chloe以及Dior Homme实习的大门。
另一位同学的专业是面料设计，她以青少年时期家里遭受火灾，父母的店铺被焚毁的记忆和背景为灵感，使用染色面料和激光切割海绵等方式，呈现还原出记忆中的火灾现场以及烧毁后的离奇场景，引出了一系列关于人文和记忆的柔软思考。
所以灵感可以是一个很小的、私人的甚至是不那么高级的点，但是在我们确认灵感之后，不要停留在表面，同时要进行大量的书籍、网页、图片、影视资料查阅、头脑风暴等。
这些内容不一定要摘抄到作品集里，主要是为了帮助我们厘清一个发掘方向，确定深挖的可能性以及设计的表达方式等等。
我们可以从灵感的历史背景、相关的人物特征、所属的文化群体、背后反应的思想启迪、对社会影响或者和时尚的共同之处等等方面深挖。
最后我们要学会舍得、学会“功利”。舍得丢弃删除过于杂乱无效的点，明确一个大方向进行归纳创作。学会“功利”地加入一些利于呈现、表达效果好，自己啃得动，老师可能会欣赏的内容点。最重要的一点是，它必须是时尚的，至少你要把它表达得时尚，不要过于costume design、过于ready-to-wear、过于fine art。
框架思路：服装设计作品集的框架思路其实和我们创作过程中的心路历程、讲述过程大同小异，基本为：
获取灵感、深挖灵感——确定主题、拓展主题——表达主题（通过sketch、collage制作面料小样等等方式）——设计并制作成衣（确定设计稿、完成时尚插画、立体剪裁、胚样制作等等）——成品展示（成衣摄影、细节拍摄、效果图渲染等等）。
一旦灵感和主题确定，服装设计作品集的创作和设计过程就是我们的框架思路。想象在一个面试现场，你无法带着模特穿上的成衣、面料小样并录像展现你的创作过程，这个时候你的服装设计作品集就是你最好的视觉辅助材料。
用最简单的四句话来概括你构思框架的标准，就是你要清楚地告诉老师：这个设计是我做的；我怕做了什么；我是怎么做的；我做的很好。
每当思路不清晰的时候就想象自己正在面试过程中，要如何表达、以什么样的顺序和节奏表达、表达的重点是什么。
实验：对于一个优秀的服装设计作品集而言，实验很重要。如果说思维框架有一定的顺序和逻辑，在一定程度上被灵感、主题和创作过程所框定了，那么实验就是天马行空、毫无限制的。
实验性的部分最能够给你的服装设计作品集增添强烈的个人色彩，展现你的创造力和想象力，增加与其他竞争者的区别。
除了在设计过程中制作小样，为作品集增加实验性，你可以尝试提前实验——在灵感开发之际甚至是确定灵感之前就开始实验性的创造，以免被之后的框架限制住了思维。实验重要的是跨界以及发散性的思维，将服装设计中不常见的材料或者技巧运用到服装设计当中，会给你意外之喜。
其中最重要的思维就是转化。也许你的思路还没被完全打开，这时候就可以寻找一个启发你的图形或者小样，一个结构或者是一个混乱的色块，用另一种材质或者形式去表达它。
转化是一种常见且实用的设计技巧，但抄袭是大忌。在所有的设计里，除非设计概念使然，要以一些经典形象作为讽刺或者致敬，直接拿来细节或造型套用是令人不齿的。
实验的过程就像灵感的开发一样，天马行空不受拘束的开始之后，需要对实验物料进行优化。应当结合灵感主题、设计稿以及服装胚样进行调整和优化，实验最终还是为了设计而服务的，应当为之增色。实验的主要形式是创作小样、实验性造型以及视觉设计等等，实验更是一种设计思维，同学们在创作中要谨记它。
