25岁时，走投无路的胡希茂从温州来到意大利，一边学画画，一边在成衣厂打工。28岁时，他用7000欧元租下米兰郊区的一个小厂房，那里就是现在胡希茂公司的前身。

　　一天，给胡希茂做成衣工艺设计的大姐递给他一张意大利供货商的名片。因为生意实在不好，胡希茂抱着破釜沉舟的心态，拨通了名片上的电话。第二天，意大利商人来了，还带来了一件做工极其精美的图纸。他让胡希茂在一个星期之内按照图纸做出这件衣服，并说：“如果能做好这件衣服，以后你的所有货源都不是问题。”

　　一个星期后，意大利商人过来将做好的衣服取走，几天后又拿来了另外一张图纸……

　　第三次，他问胡希茂：“你们还缺什么机器？”胡希茂反问：“该缺的都缺，你给我买吗？”几天过去了，那人竟然真的买来了机器。

　　原来，胡希茂做的两件衣服被Gucci带到了美国时装周，引起了轰动――此前，在米兰时装圈，他们根本找不到一个能承诺生产这类衣服的成衣制造商。现如今，在米兰时装周上Gucci、Prada的高级定制成衣中，有一半以上的成衣出自这个只有小学文化的温州人之手。

　　主干课程：服装色彩与图案、服装材料与应用、时装画技法、服装基础工艺、成衣生产工艺、服装工业制版、立体裁剪、服装生产管理、服装CAD等。

　　就业方向：在纺织服装及相关行业从事产品开发、服装设计、板型设计与工艺技术管理等工作，也可在服装企业及贸易公司从事服装生产技术指导、服装品质与生产管理、服装跟单等工作。

　　课程服装是一个民族、一个国家的社会、经济、人文等各方面的直观体现，也反映出人们的审美和精神风貌。随着我国社会经济的发展，我国已经进入全面建设小康社会的重要阶段，在我国与世界逐渐接轨的过程中，世界范围的各种文化也慢慢渗入我国，尤其是服装设计这一新兴的文化迅速受到我国人们的关注和青睐，因此产生了服装设计这一课程。服装设计课程是服装设计专业的一门基础课程，它是学习服装设计专业知识的理论基础，是掌握专业知识的必要前提。服装设计课程需要学生具备较强的创新能力和实践操作能力，且服装设计的知识涉及面较广，由于我国的传统教育模式使得我国学生的创新精神和创造能力较弱，所以，服装设计课程的这些特点成为服装设计课程中老师教学的最大的难题。因此，我们在教学中必须采取新的合理的教学观念和教学方法，更高效地提高服装设计专业学生的专业素质。

　　虽然目前各种层次的服装设计专业教育在全国各地都不断的建立起来，服装设计专业的毕业生也在逐渐走上相关的工作岗位，促进了我国的服装设计行业的发展。但是，随着时间的推移，毕业生的社会信息不断反馈回来，显示我国的服装设计专业教学方面的出现了一些问题亟待解决。比如服装设计专业教育只重视艺术而忽视了技术，只重视纸面效果却忽略了服装设计的内涵本质等。目前存在很多院校在服装设计专业成立初期的教学是聘请一些绘画艺术的美术专业老师来担任服装设计教学这一责任的，这种情况下，学生所接受的教学重点就放在了美术基本功和服装画的技术上，而服装设计的的本质和其中艺术与技术的内在联系却未被更多地关注到，导致学生只学到了画，在裁剪技术方面却没有学习到更多的内容，就更不要说实际操作了，这样很难使服装设计的创意得到完美的体现。进人二十一世纪以后，服装设计的教学上有了较大改观，服装的制图、剪裁、技术和缝制等方面的教学内容逐步增加，教学过程中更加强调提高学生的实际操作能力和创新能力，偏重于增强学生的专业素质。但是，对服装设计技术的重视并不等于抓住了服装设计专业教学的本质，在教学过程中还应该重视如何让服装设计中的艺术与技术融合在一起。当前的服装设计教学过程中，服装的款式造型与结构设计不能充分结合的现象还比较严重，服装的结构设计课程教学的重点更多地放在普通服装上，而服装的款式造型设计和相应的结构设计分析方面的教学内容还比较欠缺。

　　服装不仅仅是一种商品，它也是一种艺术，其中不仅仅包含着一定的文化素养，还表现了相当的审美水平和文明水平。增强学生的创新精神和实践动手能力，注重培养学生对时尚元素的敏锐感受力，使学生具有较强的时尚设计意识和设计理念。在教学过程中要强调学生对服装内涵的理解，在学习服装结构和工艺技术方面多下功夫，使学生能够更好的表现服装的美感，充分体现服装的功能和意义，能够用得体的穿着效果来反映穿着者的审美水平，进而使学生树立起科学合理的设计观念。

　　在服装设计的教学过程中，最重要的应该教会学生什么为美，什么为不美。只有懂得欣赏美，才能创造出美。教师应该从艺术、时尚和审美三个不同的角度人手，增强学生的对美认知能力。服装设计是一门涉及到多方面的艺术，它包括视觉方面、造型结构方面等，在表现服装的设计意义的时候，还应强调服装中的视觉效果，使设计出的服装具有较强的艺术倾向和美感。学生应该学会解读服装画中点、线、面、体的视觉语言，了解服装中各种色彩结合的艺术效果以及各种色彩的象征意义和表达效果。使学生在服装设计的过程中能够充分发挥色彩的功能，设计出色彩效应比较艺术的服装。此外，在教学中应该培养学生对周围事物要多观察、细观察的好习惯，让学生了解大自然，去大自然中写生，丰富自己的内涵，提高对美的认知。

　　进行教学服装的造型与结构的变化统一，在服装的设计中是最重要的内容，同时也是服装设计课程教学中的主要部分。服装的结构表现在于缝制的过程，缝制是把服装设计从立体表现到平面，再把服装从平面表现到立体的一个重要过程。当学生只会设计服装的纸面效果，而不能将这种纸面的结构关系变现为或者转化为立体的服装时，设计只能算是纸上谈兵，不能算作学会设计。这就要求在教学过程中老师能够掌握一定程度的缝制工艺，特别是对服装结构的设计、分析要有很高的水平。此外，教师对于服装设计教学内容的安排，不能只停留在画纸面效果图作业上，而应该把服装造型和结构结合起来传授给学生。

　　传统文化是各民族赖以生存的土壤，只有根植本土文化的设计，才能创造出绚丽的作品。中国服装业经过长时间对西方服饰的盲目追随，人们开始反思，并深入研究服饰流行及其成败的原因，越来越多的有识之士明白仅靠单纯的模仿难以达到全方位的超越，于是就有了许多民族化的探讨。但是，在实际设计中却出现了不少问题。主要表现为对民族服饰的生搬硬套、守旧和缺乏创新，作品既没有把时代的精神融入民族化设计中去，又没有把中华服饰那种飘逸、自然、随意、含蓄的精髓体现出来。民族化的豪言壮语成为一句空话。

　　究其原因，一是设计中缺乏问题意识，二是对服装民族化的设计方向和方法缺少明晰的认识。设计理念的狭隘已经严重阻碍了民族化服装设计的进一步发展。针对这些问题，以下将在设计性质、设计方法和设计角度三方面，作一些综合的分析。

　　一般来说，设计的性质可以分为描述型设计和指导型设计两类。描述型的问题是“民族服装是怎么样的？”以及“它为什么会是这样的？”而指导型设计关心的则是“民族服装设计应该是怎么样的？”前者在于“知”，是人对民族服装的感受和理解；后者重于“行”，是人对服装的作用和改变。当今的民族化服装设计大多是属于描述型的。

　　当然也有设计师能坚持自己对传统文化的理解，在设计中强调自己的理念。在2003年的上海时装周上，设计师谭玉燕的作品贯穿她一贯的恬适雅致的设计风格，没有刻意去堆砌中国元素，整体设计简洁大方，有现代感。谭玉燕受到中国山水画的影响，用色吝啬，不外乎白、黑、米黄几种，以更好地表现其对佛家和道家宁静、淡泊、怡然思想的热衷。整体来看是不折不扣的现代服饰，却给人一种强烈的中国风格。这种不拘一格的设计手法，在描述令人神往的民族风格的同时，又突出自己品牌的个性特点，取得了成功。

　　专业来源指的是信息资料由具备专业训练的观察者或研究人员提供，非专业来源指的是信息资料被观察的非专业对象直接提供。

　　通过一些实例，可以更好地理解这一对概念。比如巴黎高级女装设计师的新一季时装会，专业服装杂志专家的流行预测，流行色协会提供的新资讯，以及来自采购人员的建议等等都属于专业来源。通过问卷调查，采访，口述记录等方式，直接记录消费者对服装的看法和理解，而不加入观测研究者的主观评价，所获取的信息就是非专业来源。

　　对民族丝绸服装设计而言，信息的专业来源使设计师准确把握最近的设计理念和流行动向，使设计具有时尚感，紧跟国际潮流；信息的非专业来源则使设计师深入了解大众的需求和审美取向，使设计更理性化，更市场化。可见，两种信息来源都同样重要，不可偏废。

　　但现实存在的问题是，设计的信息来源绝大多数是以专业来源主导，设计师通常表现出对大牌设计师的崇拜，对权威预测机构的迷信，而消费者的需求和对服装的再设计通常被设计师所忽略。专业来源和非专业来源之间的区别反映了设计理论中一个传统的矛盾，即设计者的理想与使用者的需要之间的矛盾。设计在某些方面的失败就是这一矛盾所致。有一些设计师设计思想超前，要通过设计引导大众生活的价值观，却不能为大众所接受，另一方面设计师可能对大众的口味比较轻视，不愿沟通。特别是民族丝绸服装设计，大多设计师很少考虑消费者的喜好和需求，以及对衣服的反馈意见，完全变成自娱自乐的游戏。

　　专业来源向非专业来源的扩展趋势，在理念上体现为从服装本身为中心转向以人为中心；在设计上体现了对消费意识的过渡。设计师在吸取最新潮流因素、接受最新的设计理念的同时，也要做好潜在顾客的调查工作，使自己的设计更加理性。

　　设计角度确定以后，选择适合的设计方法也是影响民族化丝绸服装设计成品质量的重要方面。

　　20世纪60年代，由日本学者研究形成的一般设计法，其研究目的为探索设计的本质，研究设计过程中人类思维规律，为方案设计提供应用性理论依据。按照一定的映射公理（服装设计方面主要是时代特征的要求和设计者本身的设计理念等），逐一把因子映射到新实体中去，新实体产生的新因子又反过来影响实体中的其他因子，如此反复映射就形成了一个新的实体，即新的民族服装。

　　一般设计法广泛存在于民族丝绸服装设计中，适合根据某个灵感牵引，逐一对服装要素进行设计。

　　设计原理法由美国学者研究形成，原使用在工程设计领域，后来借鉴到视觉设计、服装设计等多个领域。

　　设计产生大量方案，为了快速决策做出最佳设计，设计原理学提出两个评价原理。独立原理：保持必要功能的相互独立性——方案可行性准则；信息原则：使设计信息量最小——方案优化准则。

　　设计原理法是以目标市场、顾客以及流行等要素进行设计，实质就是按需求来进行设计。设计思维是面性的，表现为对大量设计要素的筛选，使设计更为全面，迅速和准确。进行民族丝绸服装设计时用设计原理法更能把握市场，定位准确。

　　两种设计方法是可以交替使用的，比如先用设计原理法对要素进行罗列和筛选，再用一般设计法进行要素间联系分析和评定，这样就会使民族丝绸服装设计更加合理、丰富和灵活。

　　服装卖场是服装企业、销售部门及个人按照一定的功能和目的，利用展示空间、道具，有序地安排和陈列服装服饰，借助装饰、照明、音响等手段，营造出的商业空间环境，通过所创造的展示空间环境，有计划、有目的地将服装服饰展现给顾客，并力求对顾客心理、思想与行为产生相应的影响，最终说服消费者而完成购买行为场所。在服装销售中，越来越多的服装品牌开始通过服装卖场来树立品牌形象。今天的服装卖场已经不仅仅是服装服饰销售的场所，更是一个展示品牌个性与特色，使销消费者在浏览与购买服装服饰的同时更能深感美的享受和愉悦的精神体验场所。服装卖场现已名副其实地成为服装企业和服装品牌的“名片”之一。

　　服装卖场定位就是服装企业的销售部门或商家要充分合理地分析自己所销售的服装服饰品牌构成、档次、形象、销售模式等内在因素，同时还要认真地准确地分析卖场的档次、卖场所处的商业环境、顾客群体的构成，以及同一卖场的其他商品的类型特征等。要做到这些因素与自己的销售的服装特点、风格和营销策略相适合。常言道：适合自己的才是最好的。服装卖场定位不仅包括服装自身的风格定位，还包括强势消费目标顾客群的定位。如销售对象是白领阶层还是一般的工薪阶层；是大学生还是普通市民等等。如果只是一味地考虑卖场环境的良好、客流量大等外在因素而不能科学的、合理的与自身品牌特征、价位等相称的服装卖场选址、定位和设计等，必将事与愿违。服装卖场定位应符合专业人士所说的“三适合”――与商品适合、与顾客适合、与条件适合。

　　心理学研究表明，在人们所接受的全部信息当中，有83%源于视觉，11%来自听觉。因此可以把视觉影响看作是一种诱因，它能够通过一系列的心理反应，促使顾客产生购买动机。无论顾客是否真的购买了服装服饰品，这种影响都会给之留下深刻的印象，并使之成为潜在的消费者。服装是时尚性、流行性极强的物质载体，而对美的追求和拥有是每个顾客所期待的。服装卖场大到整个卖场，小到一个展柜，甚至一个衣架的造型、风格特征都应有较高的设计含量和艺术审美价值，并能充分体现时尚。服装卖场展示设计就要充分运用以上原理，借助形象化的设计语言，对服装品牌及企业文化加以阐述和说明，从而实现与顾客的沟通，以此向顾客传达产品信息、服务理念和品牌文化，并达到促进服装销售、树立品牌形象、提高市场占有率的目的。

　　服装卖场空间可以根据服装品牌销售空间的构成、面积的大小、形体的状态等加以规划和布局，要从实际需求与视觉心理，以及不同空间关系间组合的特点等方面加以统筹考虑。对于服装卖场空间来说，一般分为视觉空间、心理空间和人机功能空间等几个方面。服装卖场的视觉空间应讲究开阔感，通透的空间容易给观者带来视觉上的舒适感。为了增加这种感觉，可利用照明和壁镜等设备来实现；心理空间是指观众对服装卖场空间的心理体验是放松还是紧张；人机功能空间也叫生理空间，要按照人体工程学的原理进行设计，使消费者自如地观看与选择服装产品空间布局，是服装企业零售终端展示设计的关键因素。合理的空间布局不仅可以提高服装卖场有效面积的使用水平和营业设施的利有率，还能为顾客提供舒适的购物环境，使顾客获得购物之外的精神和心理上的某种满足。当然，在很多情况下，服装卖场空间是包含于公共空间之中的，如大的服装商场、商厦。因此必须对公共空间进行一定的隔断处理，从而营造出一定的卖场空间归属感。在进行服装品牌的卖场设计时，卖场的设计者应充分利用展板、衣架、服装模特架等物体进行开放式布置，以利用封闭性原则使消费者形成完整的视觉空间感。在进行空间界定时，一般可采用明示的手法，如护栏、隔断、展台等，还可以采用暗示的手法，如地面色彩与吊顶造型，灯光局部照射等手法。

　　服装卖场空间的具体布局一般包括：卖场的门面、壁面、柱面、橱窗，以及组合于其中的展示台，陈列架、储藏柜、展示模特等等。服装卖场的墙壁是卖场布置的主要部分，壁面既是空间的分隔面，又是顾客视线的终点，是整个卖场中心思想的集中体现区，应放置整个卖场该季需推出的主打产品，也可以是品牌定位或传达品牌应季风格特征的主题概念的布局。此外，应该充分利用壁面的高度和面积，挂放醒目的服装产品，使顾客的视线集中于此。壁面中的正面也是卖场的正面，在规划时更应该重点考虑，其要旨是：开阔、通畅，尽量面向主通道，让顾客一眼就可以看出服饰的特点。服装展架、展台是由人为设置的空间结构组成，因为它起着“画龙点睛”的作用，常常成为视觉中心和营造气氛的“主角”，所以不能不重视。由于它不属于建筑结构，所以在使用时可以十分灵活，可根据具体的需要决定其设置的位置和形式。在设计与摆放使用时，应该注意之高度，方便顾客拿取服装，也就是说必须是人性化的设计。

　　服装卖场的服装陈列和服装本身一样吸引消费者。将服装进行科学合理而艺术化地分类陈列摆放，能给顾客的顺利选购和卖场有效管理等带来方便；还有，在卖场里做一些必要的装饰衬托，艺术化地强化服装的主题，能给顾客留下深刻的印象。卖场的服装展示形式应是多样的、立体的、艺术化的。另外，服装卖场里配以高雅合适的音乐，温馨和谐灯光，主题鲜明的影像等都能更加刺激消费者的购买欲望，提升卖场的品位，增强品牌的可信度。卖场橱窗更是介绍和宣传服装产品的极佳广告形式。运用主打产品，通过布景、道具和背景装饰，配以合适的灯光、色彩及文字说明等而形成的卖场橱窗会无声地向顾客讲述着一个个耐人寻味的故事。

　　服装卖场工作人员的服务是卖场的灵魂，它决定了服装卖场的整体质量。上档次的服装卖场应从服务人员的外在形象、穿着打扮、举止言谈，以及文化修养、审美道德等各个方面进行要求，并使之具有很高的服务水平。店员整齐统一的着装，甚至全部穿戴所销售的品牌服饰，能给顾客步入卖场就产生较高的信誉度和亲和力，并让消费者留下卖场管理规范、制度严谨等积极印象。另外，穿戴所销售的品牌服饰的卖场服务人员本身，是卖场及销售服装的形象大使，是最直接的品牌广告。当然，卖场工作人员的着装风格必须与卖场的环境、所销售的服装品牌个性相一致。另外，服务人员在给顾客提供服务的始终都应心平气和、面带微笑地与顾客交流，是介绍商品，让消费者了解品牌、比较和评价商品，进而主动的接受服装产品。而不是推销、强迫顾客。卖场的服务人员通过合理地借助语言、包括有效的肢体语言表达对顾客的真诚、关怀和理解，包容顾客的挑剔甚至和批评等。不管顾客最终实现消费与否，真正让消费者在步入卖场的那一时刻开始，心情始终是愉悦的，并真正感受到在消费商品同时更是在享受服务。

　　服装卖场是服装品牌进行的二次装饰和销售，这种包装更多地体现在对服装以外因素的把握上，近几年，服装品牌的竞争由产品升级到买场的竞争，在给消费者带来体验的同时，扩大了商家的利润，良好的卖场氛围无疑会增加消费者试衣的机会，同时也增加了购买的机会。服装卖场的设计是艺术性和功能性更是商业性的结合，是服装企业商品的扩展和延伸，是服装品牌文化的有机构成部分。服装卖场设计和服装品牌一样成为人们生活品位，身份地位的象征，是服装企业“无字的名片”。

　　[1]马大力 徐 军:服装展示技术[M].北京:中国纺织出版社，2006年

　　[3]李喻军:现代展示艺术设计[M].长沙:湖南科学技术出版社，2002年

　　祈刚的设计语言是善用色，敢用色，偏爱红色。能把源于骨子里的中国元素巧妙地运用在作品上，精选高档丝绸类、精纺羊毛类、蕾丝以及高科技面料，常在面料上用提花印染、喷绘、手绘、刺绣、珠绣、面料再造肌理表达效果。打造女性魅力的同时又不拘泥于某一元素的框架，注重造型，多采用立体剪裁，廓形以“S”型、 “X”型为主，使整体风格华丽、妩媚、精致、时尚、还隐约着中国水墨画的写意韵味。

　　祁刚，第12届中国时装设计“金顶奖”得主，中国十大服装设计师之一。中国服装设计师协会理事，流行趋势研究员。

　　1998年毕业于杭州应用工程技术学院服装设计专业。同年任逸飞品牌设计师，次年任吴海燕的助理。

　　1999年，任浙江骊谷品牌首席设计师，先后了轰动服装界的《骊骚》、《惊谷》服装秀。

　　2005年获““最佳女装设计师”；凭礼服“喜上眉梢”，在国际掀起一阵中国时尚风潮；

　　2007年于中国国际时装周以“弥香”为主题的SECFASHION祁刚高级成衣、高级时装会。

　　今年秋冬作品以玫瑰红和军绿为主，黑白灰也会出现。把流行色和经典色结合到一起，产生新的效果和碰撞出不同的时尚。明年春夏的流行，粉紫色应该特别流行，还有薄荷绿等。颜色相对于2010年，应该是更柔和。

　　我觉得还是中国人的关系吧，中国人都偏爱红色，因为红色很吉利、喜庆，同时红色会让人心情很好，有激情。

　　你的作品中也用了很多的黑色，灰色用的很少，您对黑、灰色有没有特别的说明？

　　黑色不挑人，还可以显瘦。黑色也象征很多的东西，比如权力、稳重、神秘等。灰色我用得很少，不喜欢灰色，我觉得灰色比较中庸，有时会用一点点作为搭配，主要还是根据流行色来做调整。

　　我觉得是和一个人的性格有关吧，我从小就是个不拘小节的人，很随性，很放松，当然也很有分寸。对于风格，我认为设计师需要不断地创新变化，但骨子里的感觉是变不掉的，这是种服饰语言和设计语言。每个设计师做出来的感觉都不同，就像拉格菲尔德，阿玛尼，咖里亚诺等，一眼就能看出其中属于设计师骨子里的韵味。

　　色彩是有性格的，用色彩来概括性格，你是属于哪种颜色，具体表现在哪些地方?

　　我觉得自己挺像红色，有激情，很热情。红色也很丰富，多情。例如我的衣柜里除了黑白色之外，其余大部分是红色的。我为人很热情，也很直率、坦诚，像红色的色彩性格一样。

　　从你开始设计至今，状态最不好的时侯，什么时侯，用颜色来概括应该是什么颜色？

　　在我06年有一段时间是心情和状态都不太好的时侯，当时和朋友一起合作品牌，因为投资方出现了一些预料之外的问题。所以当时的状态的确不太好。后面我做了一场“阁楼”的秀，我身边的朋友都说那场秀很凄美，秀场上有人都看哭了，那时的作品反应内在的心情吧。用颜色来概括那段时间，我想应该是蓝灰吧，不全是灰色，因为当时的设计状态很好。所以蓝色给人感觉很有希望，非常宁静。

　　关于造型，春夏造型和秋冬是不一样的，秋冬的讲究廓形，春夏要考虑穿着凉爽，修身、飘逸等等，SC FASHION还是推出高腰线的服装，因为高腰线不但会显瘦，对于偏丰满的女性而言，穿着比较舒服，同时高腰线也容易使人年轻。

　　面料的特色，主要是丝绸类，蕾丝还有醋酸面料，春天还会用些精纺毛料。精纺毛料很高档，适合SC FASHION 。醋酸面料的悬垂比较好，穿着后也容易打理，所以用醋酸面料较多。

　　舞台服装对舞台表演艺术的呈现和演员情感的表达具有重要作用，要想呈现出好的舞台表演，舞台服装设计的方法至关重要[1]。现代舞台服装设计中出现了大量创新因素，但舞台服装设计在一定程度上受表演形式和艺术要求的限制，需要与演员、剧本、舞台、时尚潮流等保持和谐统一，需要合理运用一般服装设计方法。

　　（一）剧本。任何舞台表演都有剧本，舞台的布置、演员的人物形象都是按照剧本设置的。设计师在进行舞台服装设计之前应反复阅读剧本，揣摩分析剧本中的人物形象，通过服装语言表现出人物形象。舞台服装是人物信息的重要标志，只有准确、深刻地把握剧本、诠释角色，才能设计出好的舞台服装。

　　（二）导演。不同导演执导下的舞台表演所呈现的艺术表达是不同的，这与导演的人生经历、文化审美等个人因素有关。舞台服装设计师应充分与导演沟通、磨合，根据导演的风格与想法阐述自己的设计理念和表现手法，利用先进的技术处理手法，模拟出初步的服装设计风格。

　　（三）演员。演员是舞台表演的灵魂，是舞台服装设计的对象。舞台服装的设计要与演员的个人魅力相吻合，这是服装设计的重点考虑因素。在舞蹈家杨丽萍的舞剧《孔雀》中，舞台服装的色彩和元素与她的身材、气质相适应，为观众带来强烈的视觉冲击感。

　　（四）舞台。舞台设备、灯光、布幕、音响、道具等因素影响演员的外部形象，也为演员的舞台表演创造出适合的氛围。舞台服装设计也要考虑这些因素，在服装色彩、面料等的选择上与舞台效果相适应，营造出全新的视觉效果。

　　舞台服装在很大程度上区别于普通服装，舞台服装需要符合舞台审美需求，与整体演出风格相匹配，在一定程度上促进表演者的表演和行动。虽然舞台服装与普通服装在对于人的活动形式的表现上存在差异，但舞台服装设计与普通服装设计的主体都是人，舞台服装设计是服装设计的重要组成部分。

　　（一）整体与局部原则。舞台服装设计中的整体与局部是主体与附属的关系。例如将一套舞台服装作为整体，这套服装的款式、面料、色彩、装饰等为各个局部；将一套服装的款式作为整体，上身、下身、领子、袖口等为各个部分。从舞台服装的整体来看，人物角色之间、角色变化前后、角色服装与舞台，其中每个部分又是一个局部[2]。舞台服装的整体与局部是相互依存的，各局部间需要进行和谐的设计，才能表现出舞台表演艺术的魅力。

　　（二）统一与变化原则。任何舞台艺术形态的造型都需要保持一致性，在整齐感和单纯性的基础上进行适当的变化。舞台服装设计既要保持与整体舞台艺术的统一，又要在和谐中加入创新的变化因素，以不破坏服装整体统一的和谐为原则。

　　（三）对称与均衡原则。舞台服装的设计要符合对称的形式美，在服装和服装配饰的大小、样式、距离、排列上保持均衡，上下、左右、前后都表现出明显的对称划分[3]，与人体的对称划分保持协调。在服装设计的形态法则中，也存在对比式均衡，指的是在平衡对称的基础上不破坏对称总量的适度变化，这也是舞台服装设计需要遵循的原则。

　　（四）节奏与旋律原则。在舞台服装设计中，节奏代表的是服装结构中形态的间隔处理，旋律代表的是服装结构线的形态特征。例如舞台服装造型中的褶皱、作为服装边饰的波浪线、服装装饰的漩涡线及服装边饰的锯齿线，舞台服装中的细节装饰处理常用这种处理方法。

　　（五）强调原则。服装设计方法中的形式美原则的强调作用在舞台服装设计中同样重要，主要强调舞台角色的鲜明化、个性化等特征。舞台服装设计的强调作用与普通服装设计的要求是不同的，舞台服装设计要相对集中地体现演员服装的局部特点，吸引观众的视线。

　　（六）渐变与比较原则。服装设计的渐变指的是一个色彩在规定面积中浓淡、深浅、大小、疏密的变化，渐变设计要保持基本形不能杂乱，以单纯色彩的渐变为主，在两种颜色渐变中要留有明显的过渡区域，达到色彩既简洁又丰富的效果。比较是指两种或两种以上色彩的相互关系，舞台服装设计中的比较需要与整体相统一，但角色之间的冲突与对应需要在服装上进行比较，以体现人物关系的对立。

　　在舞台艺术不断发展的过程中，舞台服装设计发挥着重要作用，舞台服装是舞台表演外部表现传达内在情绪的重要载体，舞台服装设计是舞台艺术的重要组成部分。我国舞台服装设计不断发展，要秉承超前的设计理念，促进我国舞台服装设计的发展。

　　[1]戚雨节.旅游剧舞台服装设计的定位与呈现[D].北京：北京舞蹈学院，2014.

　　从应用的角度划分为使用型生活服装和艺用型表演服装等两大门类。他们的设计创造,都需要遵循上述的基本规律。然而,由于各自的门类功能、作用和要求各不相同,因此,各自具有鲜明的个性,同时,共性又寓于个性之中。

　　1.生活服装的设计 在充分了解人和人的需求的前提下,运用造型艺术手段和造型艺术的基本法则,选用相应的材料和加工工艺,使所设计的服装与生活中的人与现实生活环境有机地、和谐地统一起来。当代生活服装的设计,其艺术参照主要在西方。

　　2.表演服装的设计 属塑造角色外部形象的重要手段之一。在充分理解剧中人物的基础上,运用造型艺术手段和造型艺术基本法则,合理地体现角色的年龄、性格等,并显示出剧定的时代、地域、季节等规定情景;其造型原则受到表演艺术(戏曲、影视等)样式、风格、流派总的风貌制约,服装必须与各自的表演艺术特色高度协调。当代表演服装的设计,一般要求“要从生活出发”,即尊重古今中外生活服装的正式性(以写实话剧和影视为甚),所以,其艺术参照是全方位的。

　　需要附带指出的是,当代的生活服装艺术,是一门新兴的艺术;而当代的表演服装艺术,除了传统戏曲服装外,从总体上看,也属于新兴的艺术。话剧传入中国才不过百年,而电影、电视的发展普及,也是近代的事。

　　1.三不分即:传统戏曲服装在应用上“不分朝代、不分地域、不分季节”,通用于一切古典戏曲剧目。

　　2.六有别指装扮人物外部形象时,遵循写意原则,大体上做六种区分:老幼有别、男女有别、贵贱有别、贫富有别、文武有别、番汉有别”。

　　3.定中变即:“定中求变”,指通过不同的服饰组合方式,在类型化基础上追求人物外部形象的个性化。所遵循的也是写意原则。其表现手法是简约指代。

　　总括起来说,穿戴规制体现了戏曲服装的程式性。旧时梨园流行下来一句谚语叫“宁穿破,不穿错”,其意是:穿戴的“对”与“错”,并不根据剧本所反映的历史的真实性与细节的具体性,只根据戏曲服装特有的、严格的穿戴规制――这就与话剧影视的写实化服装严格拉开了距离。

　　戏曲服装的设计,同样要求运用造型艺术手段(线条、色彩等),同样要求遵循造型艺术法则(统一法则、多样法则、多样统一等),其造型原则跟所有表演服装相同,同样要受到表演艺术样式、风格、流派总的风貌的制约与支配(与表演艺术特色高度协调)。戏曲服装设计,除了要遵循上述那些一般规律以外,主要还强调自身所独有的、十分鲜明的独特原理――这是由戏曲服装艺术发展的内在规律性所决定的。

　　戏曲服装艺术的内在规律具有以下四个特点:(1)戏曲服装艺术发展史具有个体发生的品格,它是古老的中国服饰艺术历史长河伸向古典戏曲艺术领域的一条支流,在中国服饰文化和中国戏曲文化的双重作用下,民族性极强;(2)戏曲服装艺术的发展从变化的契机来看,多是靠承传来推移的,主要表现为嬗变(缓慢的、叠加式的渐变),传统性极强;(3)戏曲服装早已由生活化引向了艺术化,以可舞性、装饰性、程式性为其恒定的美学特征,其中的程式性是由戏曲表演艺术程式性支配和影响下所形成的,程式性极强;(4)服装应用上的程式一旦定制,又反作用于表演艺术,从人物外部造型方面,促成了稳定的戏曲表演的艺术形态;实际上,服装已成为了一种表演工具,与表演艺术融合成了一个不可分割的艺术整体,所以稳定性极强。

　　从上述戏曲服装艺术发展规律的特点中,我们可以概括出两点:一是艺术形式的继承要素丰富;二是艺术形式的成熟稳定。正因为如此,在设计上,其创造空间必是有一定限度的。这一点,跟中国画、书法、诗词等古老的民族文学艺术完全相同。

　　这样,我们就可以对戏曲服装设计的独特原理用一段话来概述:从艺术形式继承要素丰富、艺术形式成熟稳定的宏观实际出发,在有限的空间内自由发挥。