灵感概念调研-创意过程设计过程制作过程（sketch）-整体与细节（包括面料、颜色、搭配等）-成品（效果图、棚拍）
从灵感来源，调研，到发展过程，如果在规定作品集页数内有足够位置，一定要尽可能放得完整。要让学校觉得你的作品并不是凭空想象出来的，而是经过缜密的思考得出的，每个细节都有它的意义。不然的话就容易变得太肤浅，可能换一个人做他也会做得和你一样。思维清晰的过程，往深处发展很重要。
但如果凑巧你的灵感很平常，那你也可以从一个特别的角度去解构这个灵感，展开你的思维，找到这个灵感与现实社会的新的结合点，这也是创新。
安全起见，成衣还是需要的。虽然BA基本不要求成衣，但做出1-2个成衣会有加分。退一步说，万一，对方学校不喜欢你的创意......那可以用你的手工能力去让他们发现你的闪光点啊！(＾－＾)V
有的学校特别注重手工艺，也有学校极其注重创意，如果有同时申请这个两个类型学校的情况，可以做风格比较折中的，或是直接做两个不同的作品集。
一般情况下，学校不会随便judge你的创意或者你的品味，但一定会judge你的手工制作水准。一般做出服装设计作品集里的成衣之后，基本上就说明我们大概已经成功了一半。
这个环节很直观地体现出你的品味。现在不仅是未录取的学生，就连很多海外在校生也有品味趋于大同的情况，而品味大同是服装设计师需要极力避免的。
photo shoot不一定要请摄影师租摄影棚找专业模特，找个单反，构思一下场景就直接去拍就行了。
而且时尚里的很多行业，比如时尚摄影师，造型师，编辑都和photo shoot这个环节挂钩，所有如果最后能拍出好的照片，学校会觉得你在这方面的本事也不错，你不是只会做衣服，肯定会加分很多。
（拍的时候注意灯光、背景、构图等，还有你的整体色调要符合作品主题，是暗黑系的还是明快系的，如果走简洁风就最好纯色背景，避免喧宾夺主）
Photo shoot的灵感就可以参考一些品牌的lookbook。但是不要抄袭。
最后要注意，不管是不是棚拍，一定要注意在拍摄中展示你要体现的细节，领口，袖口，花纹，拼接...
细节很重要，没有细节创造细节也要上。如果衣服材质有可圈可点之处，也要凸现出来，打光时候注意一下。
海外学校很喜欢多样化的学生，所以不管这个环节你放的是平面设计作品还是纯艺作品还是其他，都有帮助。
比如，有同学是时尚专业的学生，但是他在作品集里放了很多有关地图的平面设计作品，用不同颜色的毛线勾出了好几张不同地图上纽约的形状，做得很好看，这就会给他的作品集加分很多。
如果没有类似这种的，其实也可以放平时速写本里画的比较好的图，因为这能体现出平时就有画画的习惯，算个加分点。
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创作一本优秀的服装设计作品集绝非易事，在作品集中需要展示你的创作灵感来源、前期调研成果、不断的设计实验与推敲过程，效果展示以及棚拍，最终还要对作品集进行排版，每一步骤都不能少，也不能敷衍了事。另外，由于申请本科和申请研究生的作品集要求不同，申请不同学校的作品集要求不同，康石石仅就共性问题提出服装设计作品集的创作要素。
设计主题源于生活，身边的各种事物都可能成为创作的灵感，一方面，可以借助书籍、网络等获取灵感；另一方面，可以尝试从身边事物入手，风景、建筑、动植物，甚至是手边的任何东西，都有可能成为你的灵感来源。
由于research阶段的调研结果比较分散，很多同学在将搜集到的一手资料进行整合归纳之后，便可以将一些初步的设计想法通过创意拼贴、创意手绘等方式进行尝试，并汇总于sketchbook中，以进一步提炼创作想法，推进设计过程。
这一要点是建立在充分的前期调研和完善的灵感整合之上的，根据以上步骤生成设计主题后，同学们就可以根据主题进行创作，可以在颜色搭配上大胆创意，或者在面料改造上突破规则，通过不断的尝试以达到最好的效果。
康石石一直强调，国外顶级院校考官，更看重学生在设计中能根据灵感的不断深化逐步生成设计概念，并在一步步的实验过程中予以落地。设计，绝不是凭空出现的，而是通过不断地实验，反复地推敲与打磨逐渐完成的，在作品集的展示中一定要让考官看到这一点。
成衣拍摄，是为了最终展示你的设计作品，首先，要在拍摄中体现你想要展现的设计细节，如领口、花纹等等。其次，背景色要辅助作品展示，不能明度过强；最后，成衣拍摄一定要符合设计主题，与设计整体基调保持一致。
如果你想做出一本优秀的服装设计作品集，最好（就是必须的意思）还是要去上课学习的哦。
就连本身就学了好多年服装设计的同学，也还是很难自己独立完成一本出色的作品集呢。
从我个人经验来说，在作品集制作开始之前，首先要做的很重要的一步：要认真了解自己，并构想整个作品集大致的风格。
了解自己到底是怎样的人，明确自己的能力水平，并且要明确自己到底想要什么；做到换位思考，如何让别人看到你的作品集才能更精准地认识你。（同时防止自己中途风格跑偏）
确定灵感来源是一个系列的第一个步骤。然而，国内外在这件事情上的态度截然相反。
尽量不要从自己的个人情绪中找灵感，比如自己日常的喜怒哀乐。如果一定要用这样的灵感主题，也要遵循从特殊到一般的思路，找到人群的情绪共性。因为你自己的东西只能自我感动，是无法感染到别人打动别人的。
你平时对什么东西感兴趣，你日常都在思考些什么，就去做这些东西。这一定会是你最擅长的，也是你和别人的区别所在。
当然，如果你平时思考的东西并不适合作为灵感，那么可以多关注一些热点时事，多观察身边的人和事，多听听自己内心的声音，一定可以找的自己新的兴趣点。
3.在灵感深入的过程中，反复思考，目前选取的这个灵感点是否具有可讨论性，是否能够很好的与服装结合，以及自己是否真的有能力去实现自己的想法。
调研也是可以很“花里胡哨”的一步呢。那些手法，什么剪贴啦，用各种材料拼贴啦，也要自己涂涂画画的。如果能有创新的手法最好。任何步骤中的创新都是好的啦。
调研的步骤也要好看起来。从你找的作品，你重组的过程，到最后调研步骤的排版，都要好看起来。请时刻牢记：fashion的作品集就要fashion一点。时尚的标准是时尚的人来决定的
在实验中，要保持逻辑的思维！要像真的在做“实验”那样，有足够明确的规划、步骤和目的性。
服装作品集中，面料改造的部分并不用像纺织品专业那样，做的那么丰富和高难度。但面料的设计是可以成为服装的一个亮点的。如果你很擅长于纺织品设计，那么这会是你的一个加分项。（工艺不太行还非要做，那就花钱找个师傅帮帮忙吧。。）
立裁平裁的实验可以做得很丰富。在做实验的过程中，一定不要忘记自己对廓形的大致规划，要紧扣自己研究的“点”，多做尝试。
服装最最本质的东西就是衣服本身了，成衣制作步骤的重要性似乎不用再强调了。
要注意每一个细节，可千万别想着随便做个大致的样子，不行就后期p图。这个念头千万不能有！爆炸的灵感、生命力固然重要，但这可不代表“随便”。
⚠️保持和师傅们的密切沟通，信息一定要及时传递！！（因为与师傅们的沟通出现问题而酿成的悲剧可太多了）
不同的院校、不同的专业都会有自己独特的风格，从功利性的角度来说，大片拍摄要尽量去迎合你所申请的院校、专业的风格走向。
客观来说，大部分中国的艺术生的文化积累并没有那么深厚，思辨能力和探索能力也没有得到非常系统的训练，灵感和实验的环节做起来会有些吃力，效果也不一定尽人意。
那么，大片的拍摄就是一个很好的“反击”机会，照片的后期处理也要给到足够的重视。
毕竟总会听说这样的事情，某某同学的作品一直平平淡淡，但是却因为拍摄够好，而被名校录取。
事实上，在排版这个环节，依然能体现出你的个人风格和个人审美水平。一个排版够好的portfolio，虽然不能让“垃圾”变成宝藏，但也足够让你的作品集上一个档次。反之，一个过low的排版，哪怕是你捧在手心儿里的宝贝，也能瞬间给你变成一个化学老师做的ppt课件。
所以，自己有排版能力，就认认真真地排，如果没有信心做好，可以找专业人士帮忙。
如果你提前申请了学校的现场面试，最好提前打印自己的作品集。纸张的选用、装帧的方式也要仔细斟酌一下，毕竟是要放在面试官手里翻阅的呢～
服装设计作品集的制作，所涉及到学科和专业会很多很广。在这个过程中，增强学习的自主性。
服装是艺术和时尚的结合体，要做出一本好的服装设计作品集，不仅要更多的了解服装设计相关的知识，更要热爱时尚，去吸收各类与艺术相关的知识，提高自身的审美能力和艺术修养。甚至是科技领域的新技术，也要试着多看，现在时尚与科技融合是一个很大的趋势，尤其是在交互和VR的方面。
多看、多思考，避免使用千篇一律的概念和手法，同时避免出现重复前人的设计而不自知的情况。网站的话就Instagram Pinterest等等。
记住，一本好的服装设计作品集，是要尽可能表现出自己的特点和能力，扬长避短。
这是充满爱的过程，肯定会遇到困难，但是不要给自己制造困难，更不要好高骛远。
作为parsons毕业生，首先必须要说的是，对于优秀作品集的评判标准，国内与国外的观念差异还是挺大的，国内更多的是结果的呈现，而国外作品集更多呈现的是设计过程。
据我所知，在英美国家的设计院校，大部分都非常重视你设计这个作品的想法，他们希望通过作品集看到你的兴趣点和你的热情所在。不同点在于各个院校教学理念的不同，关注的侧重点会有些许不同。
比如我们parsons，比较会关注你的作品与社会的联系，像我们Tutor是这么说的：不仅仅局限于关注自己的创作和艺术领域，而是拥有更多的社会责任感，能否通过你的作品，影响到人们的想法。
挑了几个近几年parsons学生作品中比较有意思的主题，有兴趣的可以对比看看：
而CSM可能更在意你的idea的表达方式，诸如此类。（可能说不准确，有CSM在校生的话，可以一起探讨一下）
所以说，作品集很难有一个评判标准，只能说大家能在规定的时间范围内，针对院校做作品集，尽可能地做到完整性，有逻辑性，同时还具备可延展性。
好了，其实我们前面已经提到了，一个好的服装设计作品集，应该具备的几种要素：
首先，逻辑性，它从你有一个idea到不断深入调研，再到不断实验不同的方式，延展出3-4个project，到最终呈现的过程，院校想看到它们之间的关联性。
第二，完整性，它能够体现你的完整的思路，从灵感来源到设计发展，到成衣结果。而内容完整其中是包括主题的确立与选取、服装效果图和款式图的绘制、面料再造的手法及运用、服装廓形结构的理解运用。
第三，可延展性，院校希望看到你的想象力和潜力，当你按照要求完成了几个project以后，是不是还可以更完善？是不是可以延展出更多的idea？这一点，其实就是parsons为什么在作品集之外，还要有一个parsons challenge的原意。
比如概念生成能力，调研分析能力，分析拓展能力，制作实操能力，以及成品展示能力。
同时，你还需要拥有辩证性思维，当许多idea都可以实现的时候，你要懂得取舍，懂得less is more，它能够最大程度地呈现你的独特想法和理念，你的个性，你的热情等等，而这也是学校想要看到的。
说实话，服装设计很难做出一本能满足各个不同院校胃口的万能作品集，因为不同国家服装设计偏好风格不同，甚至相同国家的不同院校之间风格也不相同，比如说同属伦艺下的中央圣马丁和伦敦时装学院。前者偏创意，后者偏工艺。所以我们要想做出一本优秀的服装设计作品集，除了要选择一个合适的风格，更主要的是找寻不同院校共同看重的点——Inspiration and Research
设计最重要的就是灵感，在生活中我们通常会有灵感乍现的时候，每当这时我们内心澎湃、思如泉涌，仿佛得到了设计女神的恩赐。
其实，并没有空穴来风的灵感，就算是乍现的灵感也一定是生活中的积累在大脑潜移默化的运行中的“化学反应”。
西方设计教学中，灵感的累计是需要记录的，我们需要用各种材料和工具辅助大脑来记录你的个人经历，比如：相机，纸笔，摄影机等，每当灵感来临时，这些记录则能使我们灵感“有迹可循”。之后，我们需要一定的资料来支持我们的灵感，这个过程也就是调研。
服装设计灵感也是如此，无论是美国帕森斯还是英国的圣马丁，或者法国esmod，对于灵感和调研是非常重视的，这个步骤可谓是设计过程中的“根基”。
关于research 最看重的是一手材料，一手材料是最能体现自我创作意识和创作灵感的，而一手材料的收集在于自己去寻找、纪录、整理。
举个栗子：我有个爱好是研究昆虫，所以我时不时会去树林里研究昆虫的生活，以及做一些昆虫标本。我把他们画下来，用相机拍下来，又或者在观察的同时突然得到某种有意思的领悟时用笔纪录下来，最后做一定的整合。也许这将会成为我某个系列创作元素。
“艺术源自生活”，只有寻找和积累到的材料一定要丰富多样了，才能是我们的灵感源源不绝，也会对我们的作品集和之后作品的发展，包括服装创作里的面料，服装轮廓等有一定积极的影响。当然，在我们research的过程中会留下许多用不到的东西，也许是脑中一闪而过的片段、也许是你的不断实践，也许是你一次次自己创立又推翻的Idea……这些对与设计作品来说并不是无用的，这恰巧记录了你的寻找过程，也是你最后整个portflio 完整部分之一。
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首先是主题，因为主题是灵感之源。主题选题要深刻有探讨性，最好能带有一些社会思考。因为面试官考核你的作品集除了考核你的设计思维以外还会想看一下你的三观，因为作品集是一个很好反应你的世界观价值观社会观的东西，越能引起共鸣的主题越好，越能让人觉得“wow～”或者自己跟着陷入沉思的主题更好。
想法，这个是至关重要的，你的作品集需要有闪光点，有能一下抓住面试官的闪光点。你的作品集一般是2-3个project，但是如果你其中一个project能打动到面试官其实已经够了，那就是我所说的闪光的想法。
作品集没有逻辑性就是一盘散沙，在内行人看起来是非常痛苦的。一个好的作品集一定要有逻辑性，从主题－调研－发展－成品这一串下来要连贯一气呵成。
虽然看到有些楼层的答主说画面没那么重要，但是我觉得画面真的是非常非常重要！画面就代表着你作品集带给人的一种感觉，代表你的艺术感觉还有审美，就算你想法有多好但是表达不出画面也是白搭。
作品集一定要有你自己的风格。虽然一开始比较难形成自己的风格，但是慢慢要摸清楚自己的风格，让别人看到作品集就等于看到你。
